2024:

Cambios

Josué Salazar (México, 1991)

Julio 2024

La fisonomía del paisaje urbanístico del distrito de Carabanchel está cambiando a un ritmo vertiginoso. Donde antes se encontraba un pequeño comercio, ahora hay una vivienda destinada a Airbnb. Edificios con un pasado industrial están siendo demolidos para dar paso a nuevas construcciones de lujo, mientras que los precios de las viviendas comienzan a dispararse. Este proceso de transformación y gentrificación trae consigo una nueva población con mayor poder adquisitivo, así como turistas que van y vienen, lo que genera un desplazamiento forzoso de las familias más vulnerables, obligándolas a buscar otro lugar fuera de sus raíces, su entorno cotidiano y su hogar. En la exposición resultante de su proceso de investigación, Salazar aborda los cambios y la evolución del paisaje a partir de Google Maps en contraposición con el paisaje actual a través de distintas técnicas como el gouache, pastel y el carboncillo sobre papel de algodón. Durante su residencia, el artista explora el paisaje urbano del distrito de Carabanchel, prestando especial atención a los terrenos vacíos que ocupan un lugar entre los edificios residenciales. Las imágenes que crea son yuxtaposiciones de capas de lo real, lo imaginado y lo que podría ser, invitando al espectador a reflexionar sobre el la metamorfosis del entorno urbano y sus implicaciones en el tejido vecinal.

Josué Salazar (México, 1991) es un artista radicado Massachusetts (EEUU). Originario de la ciudad fronteriza de de Nogales (México). Salazar emigró a una temprana edad a a Estados Unidos, donde actualmente está desarrollando su carrera artística. Utiliza el paisaje como medio para abordar temas de cultura, emigración y experiencia humana, tejiendo narrativas que reflejan las vivencias de las comunidades fronterizas. Ha mostrado su trabajo en distintas galerías de Los Ángeles, en Crocker Museo de Arte de Sacramento de California, la Herter Art Gallery, la RW & Joyce Witt, entre otras.

El enrevesado rojo

Alfredo Gaviña Naón (Argentina, 1995)

Abril 2024

El enrevesado rojo es un políptico audiovisual que pone en diálogo a los distintos personajes de las películas de Pedro Almodóvar que residen en Madrid y los personajes del  libro  “Il gioco del rovescio” de Antonio Tabucchi, generando ocho piezas sonoras y visuales que exploran diferentes aspectos de la experiencia humana, como recuerdos, apariencias, pérdidas e identidad creando un contrapunto entre música, voces humanas y visuales. La composición musical ha sido creada utilizando Max/Msp, y se complementan con voces seleccionadas durante su residencia en Ey!Studio. En esta ocasión, Gaviña ha colaborado con la artista Milly Milkjovic, quien ha contribuido específicamente en el diseño visual que incluyen animaciones en stop motion e imágenes fijas.

Alfredo Gaviña es un compositor argentino graduado en Composición Musical por la la Universidad Católica Argentina. Actualmente está completando su Máster of Arts in Music Composition and Theory en el Conservatorio della Svizzera Italiana. Sus composiciones musicales, abarcan desde música puramente instrumental hasta colaboraciones con artistas de diversas disciplinas como la danza y las artes visuales. Ha compuesto para varias formaciones musicales, desde orquesta hasta música de cámara, así como para medios electroacústicos y electrónicos.

Naturaleza, entorno, espacio urbano y homemaking

Kevin Chin (Australia, 1980)

Septiembre 2024

Kevin Chin (Australia, 1980) nos invita a reflexionar sobre una pregunta : ¿puede la pintura de paisajes trascender su tradición histórica para convertirse en una herramienta de descolonización? Desde esta premisa, su proyecto se adentra en un análisis crítico del papel de los jardines históricos de Madrid, como el Parterre del Retiro y el Parque de El Capricho, espacios emblemáticos que encapsulan tanto la estética como las tensiones políticas de su tiempo.

La elección de estos jardines no es casual, explora cómo la jardinería y la práctica cultural, está  vinculada al colonialismo, encarnando el deseo de imponer un orden humano sobre la naturaleza, domándola y transformándola en una proyección de poder y control. A través de su investigación, el artista examina cómo estas intervenciones paisajísticas han servido no solo para embellecer el entorno urbano, sino también para narrar, perpetuar o cuestionar ideologías relacionadas con la expansión territorial, la jerarquía cultural y el dominio sobre el otro.

Con una sensibilidad que combina lo estético y lo político, se propone reinterpretar estos jardines mediante la pintura, buscando abrir nuevas lecturas que desmantelen los relatos hegemónicos inscritos en estos espacios, cuestionando los valores que los configuran. Su proyecto se ubica en un cruce entre arte, historia y ecología, ofreciendo una oportunidad para reimaginar la relación entre lo natural y lo construido, entre el pasado colonial y un presente que reclama narrativas más inclusivas y conscientes. Durante su residencia, Kevin Chin ha realizado aproximadamente 3000 fotografías que le sirven como material de investigación para seguir desarrollando este proyecto en su taller en Australia.

 Kevin Chin (Australia, 1980) ha realizado 20 exposiciones individuales en Australia y en Estados Unidos, Japón y Singapur. Ha ganado el Bayside Prize Melbourne y el Albany Prize WA, y ha sido finalista en más de 20 premios nacionales. Entre sus colecciones institucionales figuran la Casa del Parlamento Australiano, Artbank, RACV, la ciudad de Albany, la ciudad de Bayside, la comarca de Nillumbik y el Museo de Arte de la Universidad La Trobe. Kevin ha recibido múltiples subvenciones de Creative Australia, Creative Victoria y la ciudad de Melbourne.

A través de los ojos que añoran

Amanda Elida Varhaugvik (Suecia, 1990)

Marzo 2024

Amanda Elida Varhaugvik (Suecia, 1990) ha realizado el proyecto "A través de los ojo que añoran" partiendo del libro "Juego y teoría del duende" de Federico García Lorca, escrito en La Residencia de Estudiantes en Madrid, explorando los lugares icónicos frecuentados por Lorca desde 1918, como el Ateneo de Madrid, los sitios donde se llevaban a cabo las tertulias literarias, como los desaparecido Café Lion y la Granja Henar. La artista ha creado una especulación visual y performativa utilizando materiales textiles encontrados y adquiridos en Madrid.

Amanda Elida Varhaugvik (Estocolmo, 1990) es una artista multidisciplinaria de origen noruego/sueco establecida en Estocolmo. El trabajo de Amanda es una mezcla convincente de confección textil, fotografía y performance. Amanda es pionera en resaltar el vestuario como actor principal de forma innovadora en sus performances. Invitando a artistas culturalmente diversos a interpretar los vestuarios bajo su guía. Amanda tiene un máster en bellas artes de la Universidad Konstfack de Estocolmo. Ha presentado numerosas exhibiciones y colaboraciones en lugares como: Fashion for Good Museum en Ámsterdam, Eric Ericsonhallen en Estocolmo y The Nordic House en Reykjavik.